Poate că ați auzit termenul fotografie de peisaj de artă.
Dar este fotografia de peisaj de artă artistică ceva ce ar trebui să aspirați să faceți? Și ce distinge o fotografie de artă de un instantaneu?
În acest articol, voi explica tot ce trebuie să știți despre fotografierea peisajelor de artă. Voi începe prin a explica ce este de fapt - și voi continua să vă dau o mulțime de sfaturi pe care le puteți folosi pentru a vă îmbunătăți propriile fotografii de peisaj!
Să începem.
Ce este fotografia de peisaj de artă plastică?
Unii termeni sunt greu de definit și fotografie de artă se încadrează în acea categorie.
„În fiecare imagine sunt întotdeauna doi oameni: fotograful și privitorul.”
- Ansel Adams
Acestea fiind spuse, fotografia de artă este mai puțin despre subiect și mai mult despre fotograf. Obiectivul tău în fotografia de artă peisagistică nu este acela de a-i arăta privitorului ceea ce ai văzut; este să comunici cum te-ai simțit acolo și cum te-a făcut să te simți scena.
„Fotografia pentru mine nu privește, este simțire. Dacă nu puteți simți ceea ce priviți, atunci nu veți determina niciodată ceilalți să simtă ceva atunci când vă privesc fotografiile. "
- Don McCullin
Deci, cum comunici sentimentele prin fotografii?
Iată câteva sfaturi de luat în considerare atunci când surprindeți fotografii de peisaj de artă plastică.
1. Gândește-te la ceea ce ar face ca imaginea ta să fie unică
Ați făcut vreodată o fotografie de peisaj într-o locație în care alți fotografi sunt aliniați lângă dvs., lucrând și scena?
Majoritatea dintre noi avem.
Întrebarea care trebuie pusă este:
Cum va fi fotografia ta diferită, unică, specială? Ce va ieși în evidență imaginea ta? Cum poți pune semnătura ta unică pe poză?
Alegerile pe care le faceți pentru a crea o imagine care vă aparține în mod unic contează. Orice bucătar poate urma o rețetă și, dacă o duzină de bucătari lucrează toți din aceeași rețetă, felurile de mâncare vor fi esențial nedistinguibile. Cu toate acestea, bucătarul gourmet care își pregătește mâncarea de semnătură se va strădui să facă masa unică.
Și, în calitate de fotograf de peisaj de artă, obiectivul tău ar trebui să fie același.
„O fotografie grozavă înseamnă profunzimea sentimentului, nu profunzimea câmpului.”
- Peter Adams
2. Fii intenționat și deliberat
Când lumina se schimbă rapid, este posibil ca un fotograf de peisaj să fie nevoit să se miște rapid. Cu toate acestea, majoritatea fotografiilor de peisaj pot fi realizate într-un ritm lent și atent.
În loc să vedeți pur și simplu o scenă, să vă poziționați trepiedul, să fotografiați mai întâi și să puneți întrebări mai târziu, faceți opusul. Înainte chiar de a vă atinge camera, observați cu atenție scena. Încetini.
Întreabă-te ce te-a atras pentru prima dată pe scenă. Cum te face să te simți? Cum poți compune cel mai bine fotografia? Ce se întâmplă dacă te-ai muta mai sus, mai jos, într-un punct de vedere diferit, și ai folosi un obiectiv diferit? Ce poți face pentru a-ți surprinde cel mai bine sentimentele în cadru?
Să nu fii niciodată un shooter complet. Profitați de capacitatea de redare instantanee a camerei dvs., evaluați imaginea și decideți ce ar putea fi mai bun.
Apoi mai faceți câteva fotografii.
Deși nu este fotograf și nu vorbește despre fotografia peisajelor de artă, renumitul jucător de hochei Wayne Gretsky oferă în continuare sfaturi pe care fotografii ar face bine să le amintească:
Ți-e dor de 100% din fotografiile pe care nu le faci niciodată.
Wayne Gretsky
3. Practicați previzualizarea
Veți ști că abilitățile dvs. cresc în calitate de fotograf atunci când vă puteți vedea fotografia înainte de a vă pune chiar ochii în vizor.
În cele din urmă, ar trebui să vă previzualizați imaginea finalizată, să aveți viziunea și apoi pur și simplu să folosiți camera ca instrument pentru a capta acea viziune.
Este o buclă frumoasă:
Cu cât fotografiați mai mult, cu atât deveniți mai bine văzând - și cu cât deveniți mai bine văzând, cu atât fotografiile dvs. vor deveni mai bune.
„Camera este un instrument care îi învață pe oameni cum să vadă fără o cameră.”
- Dorothea Lange
Dar, în timp ce previzualizarea este importantă, fotografia peisajelor de artă ar trebui să fie întotdeauna deschisă serendipității: acele momente neașteptate în care lumina se schimbă, îngerii cântă, iar miraculosul apare pentru un scurt moment pentru a fi surprins.
Au fost deseori momente în care am previzualizat o fotografie, m-am pregătit și am așteptat lumina, pentru ca ceva uimitor să apară în spatele meu din senin.
Exersați să lucrați cu comenzile camerei, astfel încât, atunci când apare un astfel de moment, să puteți răspunde rapid și să obțineți fotografierea.
4. Peisajele de artă plastică nu sunt doar monocrome
Google „fotografie de artă” și veți vedea mai ales imagini alb-negru (monocrom). Poate, datorită existenței sale îndelungate, precum și a unui număr mare de fotografi timpurii pentru care alb-negru era singura opțiune, fotografiile monocrome pot depăși numărul de imagini color în lumea artelor plastice.
Dar asta nu înseamnă că imaginile color nu pot fi considerate și fotografii de artă.
Întoarceți-vă la definiția noastră: fotografia de artă este mai mult despre artist / fotograf și viziunea lor decât conținutul fotografiei. Indiferent dacă este culoare sau monocrom, cel mai bun mod de a descrie o viziune va depinde de intenția producătorului.
„Ce îmi place la fotografiile alb-negru este că seamănă mai mult cu citirea cărții decât cu vizionarea filmului.”
- Jennifer Price
Acum, ține cont de punctele forte ale fotografiei alb-negru. Fără adăugarea de culoare, imaginile monocrome se bazează mai mult pe elementele de bază, „oasele” unei fotografii bune: linie, formă, formă, ton și textură.
Imaginile alb-negru sunt de obicei mai simple, cu o atenție mai mare acordată subiectului. Uneori, o imagine monocromă poate transmite un aspect sau o dispoziție mai bună decât omologul său de culoare.
Atunci când decide dacă o imagine poate avea cea mai bună culoare sau alb-negru, fotograful de artă trebuie să revină la obiectiv și să se întrebe:
Ce versiune transmite cel mai bine sentimentele și viziunea pe care le-am avut atunci când am realizat imaginea?
Aceasta, și nu o idee despre faptul că fotografiile de artă sunt întotdeauna monocrome, ar trebui să dicteze direcția pe care o ia fotograful.
5. Nu vă fie teamă să modificați realitatea
Am vorbit despre fotografia de artă fiind mai puțin despre o interpretare exactă a unui subiect și mai multe despre sentimentele și viziunea fotografului.
Deci, cine spune că nu-ți poți schimba complet imaginea pentru a transmite mai bine aceste lucruri?
Tehnici precum viteza de expunere lungă pentru estomparea obiectelor în mișcare și viteza de expunere foarte rapidă pentru înghețarea totală a obiectelor în mișcare rapidă sunt chiar acasă în fotografia de artă.
La fel și încețoșarea în mod intenționat a scenelor cu mișcarea intenționată a camerei (ICM) și utilizarea instrumentelor digitale speciale pentru a conferi unei imagini un aspect „pictural”.
Fotografie cu infraroșu sau alte tehnici care schimbă culorile? Sigur!
Arta este total subiectivă, la fel și fotografia de peisaj de artă plastică.
Cum alegi să înfățișezi o scenă este apanajul tău, în care „calea corectă” este ceea ce îți comunică cel mai bine sentimentele și mesajul.
„Chiar cred că există lucruri pe care nimeni nu le-ar vedea dacă nu le-aș fotografia”.
- Diane Arbus
6. Experimentați cu editare interpretativă
Am citit multe despre expresia „obținerea corectă a camerei”, ceva cu care sunt de acord și nu sunt de acord. Da, cred că ar trebui să-și stăpânească comenzile camerei pentru a obține cea mai bună expunere posibilă a unei imagini pe teren.
Da, este important să faci cea mai bună imagine posibilă în domeniu. Niciodată o sesiune de editare nu trebuie să fie o misiune de salvare în care încercați să depășiți greșelile făcute la fotografiere. Fixarea unei imagini în Photoshop este o opțiune, dar de obicei nu este una bună.
Cu toate acestea, îmbunătățirea unei imagini cu evitarea, arderea sau oricare dintre alte zeci de alte tehnici de editare este semnul unui fotograf de artă priceput. Folosirea abilităților de editare pentru a interpreta în continuare o imagine, pentru a transmite sentimente și intenții, face parte din meșteșug.
Oamenii cărora le place să se laude că imaginile lor sunt neditate și direct în afara camerei, probabil că nu au studiat niciodată opera celui mai renumit fotograf de peisaj din toate timpurile, Ansel Adams. Nu avea avantajul software-ului de editare digitală pentru a-și edita imaginile, totuși acest lucru nu l-a descurajat.
Aruncați o privire la unele dintre imaginile sale anterioare și ulterioare și vă veți mira de câtă schimbare a existat între negativul capturat de cameră și imprimarea finală.
Cum aș face?
7. Pune-ți timpul
Fotografia peisajelor de artă plastică nu se face în grabă.
Am văzut producători de software care susțin că programele lor vă vor permite să lucrați mai rapid folosind inteligența artificială. Deși aceste programe au parcurs un drum lung, nu sunt convins că pot încă să egaleze calitatea inteligenței umane din vechea școală și un stil de editare mai atent, deși mai lent.
S-ar putea să obțineți rezultate interesante cu o presetare cu un singur clic, dar va rezulta o imagine care vă comunică viziunea unică? Dacă înlocuiți un cer cu ceva „conservat”, ar putea fi mai dramatic, dar mai este fotografia dvs.?
De asemenea, trebuie să întreb: Ce grabă?
Îmi place editarea de fotografii, văd unde pot face o imagine cu o muncă atentă. Știu că sunt cei cărora nu le pasă de editare și cred că este în regulă. Cred doar că cea mai mare artă realizată cu grijă necesită timp.
Am folosit ocazional astfel de programe, la fel și dumneavoastră. Dar, mai degrabă decât să învățăm doar trucurile meseriei, ce zici de timpul și efortul de a învăța meseria în sine?
În cazul în care obiectivul dvs. este fotografia de peisaj de artă cu stil personal și aspect personalizat, nu există comenzi rapide. Presetările cu un singur clic vor face ca munca dvs. să arate ca a tuturor celorlalți!
„Odată ce ai învățat să-ți pese, poți înregistra imagini cu mintea sau pe film. Nu există nicio diferență între cele două. ”
- Anonim
8. A se vedea (k) ing lumina
Mă bucur de diferite tipuri de fotografii, de la natura moartă de masă și macro fotografie la lucrări iluminate cu bliț și mai ales peisaje. Ceea ce diferențiază fotografia de peisaj de multe dintre aceste alte genuri este iluminarea, gradul de control pe care fotograful îl are asupra scenei și ușurința de a crea aspectul dorit.
Pot previzualiza aspectul pe care îl doresc pentru un cadru de viață de masă, îl pot seta pe blatul din bucătărie, îl pot aprinde, pot face ajustări și pot modifica până când obțin fotografia care îmi place.
Nu este așa pentru fotografia de peisaj.
În schimb, trebuie să călătoresc în zona pe care vreau să o fotografiez, să fiu acolo când vremea este cooperantă, lumina este potrivită, frunzișul este în sezon și orice altceva (nimic din ele în controlul meu) se reunește. Dacă o va face vreodată.
Dar aceasta este și bucuria fotografiilor de peisaj de artă.
Ar putea însemna să stai cu răbdare în frigul dinainte de zori, în speranța că norii vor intra exact și răsăritul va ajunge chiar așa. S-ar putea să faceți drumeții pentru a ajunge la acea priveliște pentru un apus de soare care nu vine niciodată sau să aveți noroc și să aveți o furtună bruscă peste canion cu nori și fulgere dramatice.
Lipsa controlului face parte din atracția fotografiei de peisaj, cunoașterea faptului că norocul este cu adevărat atunci când pregătirea întâlnește oportunitatea.
„Viața mea este modelată de nevoia urgentă de a rătăci și de a observa, iar camera mea este pașaportul meu.”
- Steve McCurry
Deci, dacă doriți să fiți un mare fotograf peisagistic în artă, va trebui să lucrați la el. Va trebui să vă sacrificați puțin, să vă ridicați înainte de răsăritul soarelui, să stați bine după apusul soarelui, să vă plimbați în locuri dificile, să căutați locuri pe care fotografii nu le vor vedea niciodată și să vă străduiți să fiți diferiți cu imaginile dvs., capturând nu doar ceea ce vezi, dar ce simți.
9. Trageți pe o temă
Uneori, o modalitate bună de a-ți stimula sucurile creative este să tragi pe o temă. În loc să vă apucați echipamentul și să mergeți într-o locație pentru a face fotografii de peisaj cu orice vedeți, decideți că veți face ca toate imaginile să se potrivească unei teme.
Descrieți vizual un concept sau poate faceți fotografii ca și cum ați face un articol despre un loc sau un singur subiect. Apoi, utilizați „vocabularul vizual” care reprezintă fotografiile dvs. pentru a descrie și defini acel subiect.
Adăugați propriul stil ca fotograf peisaj de artă plastică pentru a determina ce doriți ca spectatorul să știe și să simtă despre subiectul dvs.
„Întregul scop al fotografierii este să nu trebuie să explicați lucrurile cu cuvinte.”
- Elliott Erwitt
10. Imprimarea este performanța
Astăzi, majoritatea fotografiilor realizate probabil nu sunt niciodată tipărite. În schimb, sunt vizualizate numai pe monitoare sau ecrane LCD și, uneori, sunt proiectate. În zilele filmului, fotografii nu aveau astfel de opțiuni. După ce au filmat și și-au dezvoltat filmul, au ajuns la jumătatea drumului spre a-și putea arăta fotografia spectatorilor. Tipăririle erau obligatorii.
Ansel Adams a văzut-o astfel:
Negativul este echivalentul scorului compozitorului, iar tipăritul este interpretarea.
- Ansel Adams
Când discutăm despre fotografia peisajelor de artă, trebuie să ridic întrebarea:
Poate fi luată în considerare o fotografie arta dacă este vizualizat doar pe un monitor și nu este niciodată tipărit?
Dacă ați petrecut ceva timp într-o galerie foto și ați analizat cu atenție fotografiile tipărite, veți ști că nu există nicio comparație între a vedea o fotografie tipărită și a vedea aceeași imagine pe un monitor. Imprimările pot reda mult mai multe detalii, culoare și ton.
Chiar și tipul și textura hârtiei sau a altui substrat pe care este imprimată o fotografie pot face o diferență uriașă.
În cele din urmă, când vizualizați fotografii pe un ecran, lumina este produsă de ecranul însuși, în timp ce când vizualizați o imprimare, lumina este reflectată. Schimbă modul în care vizualizați fotografia.
Deci, pentru a-mi repeta întrebarea într-un mod diferit:
Trebuie tipărită o fotografie pentru a fi luată în considerare arta?
Aș putea argumenta ambele părți, dar trebuie să mărturisesc că sunt un mare susținător al tipăririi. Da, să înveți să faci tu amprente bune este cu totul altă abilitate și nu este ușor de învățat. Pur și simplu obținerea culorii și luminozității unei imagini tipărite pentru a se potrivi aproximativ cu ceea ce vedeți pe monitor este o provocare.
Dar aș argumenta că învățarea tipăririi face parte din meșteșugul fotografic.
De asemenea, ați putea alege să predați fotografiile dvs. unei imprimante profesionale a cărei specialitate este să știți cum să profitați la maximum de imaginea dvs. Și asta este în regulă. Cred că ideea mea este că diferența dintre o fotografie peisagistică de artă tipărită și aceeași imagine vizualizată pe un monitor este aproape la fel de mare ca diferența dintre a merge la un concert și doar să te uiți la unul la televizor.
„Printurile de artă creată de artist sau de colaboratorul artistului sunt importante, deoarece reprezintă cel mai bine viziunea artistului. Imaginile afișate pe dispozitive digitale sunt supuse naturii neuniforme a diferitelor afișaje și pot apărea radical diferite de intenția artistului. ”
- Mac Holbert
11. Fotografiile tale sunt despre tine
Ceea ce vedeți, ce vă atrage privirea și camera dvs. și cum alegeți să interpretați un subiect spune multe despre dvs.
Chiar dacă nu ați definit în mod conștient o „viziune fotografică” pentru dvs., sunt șanse mari ca, dacă vă examinați arhivele, să puteți identifica puncte comune în munca dvs.
Sperăm că veți fi dezvoltat un sistem de evaluare (poate codare pe culori sau evaluare pe stele, așa cum se poate face în Lightroom), astfel încât să puteți stabili ce fotografii considerați a fi preferate. Alocați-vă timp pentru a vă uita la cele mai bune fotografii și, probabil, pentru a face câteva note despre definirea stilurilor, caracteristicilor sau tehnicilor.
Ce faceți în mod constant care funcționează și ce stil de semnătură aveți?
„Fotografiați doar ceea ce vă place.”
- Tim Walker
Concentrați-vă în mod special pe imaginile peisajului și căutați elemente comune. Ce a funcționat bine? Ce nu a funcționat? Cum poți găsi modalități de a-ți construi succesele și de a-ți defini și dezvolta stilul personal astfel încât imaginile tale să comunice cu privitorul tău?
„Facem fotografii pentru a înțelege ce înseamnă viața noastră pentru noi.”
- Ralph Hattersley
Când luați în considerare subiectul fotografiei de peisaj de artă, vă puteți întreba: „Măsura mea măsoară? Sunt suficient de bun încât fotografiile mele să poată fi considerate artă plastică? Fac parte din clubul de elită al fotografilor de artă? ”
Aș sugera că ceea ce constituie o fotografie artistică este mai puțin legat de calitatea imaginii și mult mai mult de succesul fotografului de a comunica ceva privitorului.
„Fotografiile bune sunt ca niște glume bune. Dacă trebuie să le explicați, nu sunt foarte bune. ”
Anonim
Dacă doriți să aveți succes în fotografia de peisaj de artă sau în orice alt gen de fotografie, învățați-vă fotografiile să vorbească de la sine. Dacă ar fi afișate într-o galerie fără ca tu să spui un cuvânt, ce i-ar spune unui spectator? Ce ar simți o persoană când o vizionează?
Da, o fotografie poate valora 1000 de cuvinte, poate mai mult. Dar trebuie să vorbească de la sine!
Fotografie de peisaj de artă plastică: Concluzie
Acum, după ce ați terminat acest articol, știți totul despre fotografia de peisaj de artă.
Și știi cum să creezi câteva fotografii frumoase de peisaj de artă!
Așa că ieși și trage. Cele mai bune urări în demersurile dvs. fotografice!
Întrebări frecvente despre fotografia peisajelor de artă
Ce este fotografia de artă plastică?Această descriere Wikipedia o rezumă frumos: „Fotografia de artă este o fotografie creată în conformitate cu viziunea fotografului ca artist, folosind fotografia ca mediu de exprimare creativă. Scopul fotografiei de artă este de a exprima o idee, un mesaj sau o emoție. ”
O imagine trebuie să fie alb-negru pentru a fi considerată o fotografie de artă?În timp ce mulți fotografi aleg să folosească alb și negru atunci când fac fotografii de peisaj de artă plastică, iar imaginile tradiționale au fost realizate în acest fel, nu este o cerință. Fotograful ar trebui să aleagă orice reprezentare transmite cel mai bine intenția lor pentru imagine.
Cum mă poate ajuta previzualizarea să fac fotografii de artă plastică?Fotografiile bune sunt făcute în minte, iar camera devine apoi un instrument pentru a surprinde ceea ce fotograful a „văzut” deja.
Trebuie tipărită o fotografie pentru a fi considerată „artă plastică?”Nu, dar o imprimare poate face mult mai mult pentru a transmite spectatorului mesajul fotografului ca un obiect fizic tangibil, cu o subtilitate mult mai mare de culoare, ton și rezoluție mai mare. Mai mult, în timp ce fiecare dispozitiv de afișare va afecta modul în care este văzută imaginea, o imprimare păstrează aspectul imaginii așa cum intenționează fotograful. Tipărirea face parte, de asemenea, din arta și meșteșugul fotografiei.
Dacă ați putea da un singur sfat despre realizarea fotografiilor de peisaj de artă, care ar fi asta?Stabiliți ce doriți să vadă, să gândească și să simtă privitorul atunci când vă priviți imaginea și îmbibați fotografia cu acele calități, astfel încât să poată vorbi de la sine privitorului.