Există o trăsătură neobișnuit de comună între fotografi, creatori de imagini, oameni de imagine etc. Uneori uităm că motivul pentru care avem acces la astfel de echipamente și tehnici minunate este că cei care au venit înaintea noastră în meseria noastră le-au dat seama, le-au practicat, avansați-le și apoi ne-a lăsat o moștenire a cunoașterii. Cu cât ne întoarcem mai departe prin istoria fotografiei, cu atât devine mai răspândită această apatie. Ce trebuie să înveți de la cineva care a folosit o cameră mai puțin avansată decât un deschizător de uși de garaj? Ei bine, după cum se dovedește, vom învăța multe. Poate nu din punct de vedere tehnologic, ci mai degrabă într-un mod mai intangibil, mai greu de apreciat și ușor de ratat.
Acest lucru nu înseamnă că nu vă puteți îmbunătăți fotografia din studierea metodelor unora dintre maeștri. Echipamentul lor era variat și mai puțin avansat, dar asta nu face decât să facă munca lor mai extraordinară, iar abilitatea lor să fie și mai umilitoare.
Henri Cartier-Bresson
Imagine de Gertrude Käsebier
Chiar dacă numele nu sună în memoria dvs., este foarte probabil să fi văzut opera lui la un moment dat. El a fost literalmente inventatorul stilului fotojurnalistic … lăsați-l să se scufunde timp de un minut sau trei. Înainte de Cartier-Bresson, fotografia de stradă adecvată așa cum o cunoaștem noi și „reportajul de natura moartă”, așa cum a numit-o, nu a fost o formă de fotografie bine practicată sau validată.
Născut într-o familie franceză de clasă superioară relativ bine plasată în 1908, Cartier-Bresson, la fel ca atât de mulți fotografi cunoscuți, nu a început să intenționeze să fie așa. Pictura a fost urmărirea sa majoră înainte de a ridica o cameră. Totul s-a schimbat în 1931 când și-a pus ochii pe o fotografie făcută de fotograful maghiar Martin Munkacsi. A fost o imagine a trei băieți tineri în valul unui lac din Africa. Cartier-Bresson a spus că „nu-i venea să creadă că așa ceva ar putea fi prins cu o cameră” și că „a înțeles brusc că o fotografie poate repara eternitatea într-o clipă”. Fotografia l-a determinat să renunțe la pictură și să înceapă să facă fotografii. El a fost pe deplin un înregistrator al spontaneității experienței umane. Puteți învăța multe lucruri de la Henri Cartier-Bresson pentru a îmbunătăți toate aspectele realizării fotografiei.
Lecții pe care le puteți învăța de la Henri Cartier-Bresson:
Străduiește-te să fii invizibil
Când lucrezi ca fotograf, nu durează mult să înțelegi că oamenii tind să se schimbe drastic odată ce își dau seama că sunt fotografiați. Manierismele, expresiile și aparențele lor devin cu totul diferite. Vizibilitatea fură realismul foarte repede dacă nu ești atent. Cartier-Bresson a înțeles acest lucru și sa transformat într-oarecum într-un ninja fotografic. A filmat cu camere relativ mici, de obicei telemetre Leica de 35 mm. Trebuie să înțelegeți că majoritatea fotografilor din vremea sa foloseau camere cu format mai mare, care practic tipau „Hei, îți fac o fotografie !!!” Anonimatul i-a permis să surprindă esența oricărei scene într-un mod brut și discret.
Cartier-Bresson a mers atât de departe încât a ascuns toate suprafețele strălucitoare ale uneltelor sale cu vopsea neagră pentru a-și reduce și mai mult amprenta de fotograf. S-ar putea să nu doriți să mergeți atât de departe, dar vă va ajuta să captați imagini mai bune dacă vă amestecați în împrejurimi. Planificați sesiunile într-un mod practic. Nu luați mai multe echipamente decât aveți nevoie și păstrați un profil redus. Încercați să așteptați până când sunteți gata să faceți o expunere înainte de a ridica camera. Încercați să utilizați comenzile camerei și memorați plasarea acestora. De asemenea, evitați utilizarea unui bliț, dacă acesta va interfera probabil cu subiectul. Se presupune că Cartier-Bresson nu a folosit niciodată o bliț pentru imaginile sale, deoarece le-a văzut nepoliticoase și distractive. Fotografia, în special fotoreportajul, depinde de capturarea serioasă a vieții în toată frumusețea și, din păcate, de mizeria ei ocazională. Încearcă să-l păstrezi real, la propriu.
Compuneți în cameră
Știu, știu. Probabil că ați mai auzit asta și cel mai probabil v-ați săturat să vi se arunce acea frază. Îti simt durerea. Aș da mereu ochii peste cap oricând un fotograf experimentat sau un scriitor bine intenționat ar vorbi despre importanța de a face lucrurile bine în cameră. Să fim reali aici. Este atât de ușor să decupați o imagine pe computer în loc să utilizați vizorul camerei. Este mult mai convenabil să salvezi o imagine mai puțin expusă corect decât să te gândești prin combinațiile de diafragmă și obturator.
Postprocesarea fotografiilor este un lucru minunat. Cu toate acestea, schimbarea completă a unei fotografii nu este întotdeauna ideală. Cartier-Bresson a fost absolut anti-manipulare foto și a crezut că orice fotografie ar trebui să fie decupată în vizor înainte de a fi capturată. Aproape toate fotografiile sale au fost tipărite în cadru întreg și au inclus chiar și aproximativ un milimetru din negativul neexpus, astfel încât amprentele sale finisate au purtat o margine subțire neagră pentru a demonstra în continuare absența decupării.
Orice imagine este la fel de bună ca ingredientele puse în realizarea ei. Așadar, încercați să puneți cele mai bune ingrediente posibile în lucrarea dvs., astfel încât produsul dvs. finit să fie ceva ce veți fi mândru să afișați și să spuneți „Am făcut asta”.
Concentrați-vă atât pe artă, cât și pe știință
Ceea ce facem noi ca fotografi ar fi fost considerat magic într-o perioadă anterioară. Chiar și la nivel de bază este o știință uimitoare. Înregistrăm lumină care este complet unică și trecătoare. Nu veți face niciodată exact aceeași fotografie de două ori. Știința realizării imaginilor este o parte esențială a procesului nostru creativ, dar nu trebuie niciodată privită ca singura parte.
În mod surprinzător, Cartier-Bresson și-a exprimat, în mai multe rânduri, lipsa aproape completă de interes față de partea mai tehnică a realizării fotografiilor. Dezvoltarea și tipărirea negativelor sale, acțiuni atât de atent controlate și păzite de cei mai serioși fotografi ai vremii, erau valabile numai pentru el în cazurile în care permiteau exprimarea mai eficientă a viziunii sale. El a văzut camera ca pe un instrument, iar dezvoltarea și tipărirea sunt doar un mijloc pentru un scop mult așteptat. El a spus că „oamenii gândesc mult prea mult la tehnici și nu suficient la vedere”.
Vă puteți pierde direcția în timpul realizării unei imagini. Uneori, lăsăm perfecționismul tehnic să umbrească viziunea noastră inițială. Cunoașterea aprofundată a echipamentului dvs. este esențială pentru a vă dezvolta ca fotograf. Cu toate acestea, așa cum ne spune Cartier-Bresson, nu vă permiteți să vă concentrați atât de mult asupra instrumentelor dvs. încât să vă uitați ambarcațiunile.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz s-a născut în această lume la 1 ianuarie 1864 și a părăsit-o la 13 iulie 1946. Orice altceva pe care vi-l pot spune despre impactul vieții omului asupra lumii fotografiei și artei creative va fi incredibil de scurt de măsura completă de recunoștință îi datorăm ca fotografi. Asta nu este hiperbolă. Înainte de Stieglitz, fotografia nu era considerată o formă de expresie artistică. Nu au existat școli reale de fotografie și cu siguranță nu a fost considerată artă înaltă la nivel de pictură și sculptură. Stieglitz le-a oferit artiștilor o ieșire pentru a-și arăta lucrările publicului și a fost catalizatorul care a ajutat la începerea carierei multor artiști celebri, inclusiv picturile din Georgia O'Keeffe și fotografiile legendare ale marelui Ansel Adams. Stieglitz a fost întotdeauna deschis către noi tehnici și gândire inovatoare față de artă.
Opera sa este îndepărtată de pe vremea noastră de aproape un secol, iar multe dintre mecanismele tehnice pe care le-a folosit sunt acum învechite. Totuși, există multe informații de câștigat de la Alfred Stieglitz și contribuțiile sale. Putem învăța din abordarea sa față de lumea artei în ansamblu, pentru a ne îmbunătăți pe noi înșine ca fotografi.
Lecții pe care le puteți învăța de la Alfred Stieglitz:
Exprimă-te când poți
Stieglitz a creat o serie de imagini numite „Echivalente”. Este o colecție de fotografii care prezintă o varietate de diferite formațiuni cloud. Fiecare imagine era o auto-reflectare a gândurilor, emoțiilor și experiențelor pe care le simțea în momentul expunerii cadrului. Asta a făcut ca fiecare imagine să fie unică numai pentru el. El a fost singura persoană care a înțeles cu adevărat cum se simțea la fiecare eliberare a obturatorului. Așadar, ieșiți și fotografiați ceva care vă face fericiți. Împărtășiți-l cu alții dacă doriți sau pur și simplu păstrați-l pentru dvs. Mergeți și faceți fotografii cu ceva care este doar frumos sau semnificativ pentru dvs. Actul în sine este foarte eliberator.
Acest loc are o semnificație specială doar pentru mine. Am făcut această fotografie pentru mine și pentru nimeni altcineva.
S-ar putea să vă gândiți „mă exprim cu toată munca mea”, dar gândiți-vă cu adevărat la asta pentru o clipă. Faceți vreodată o fotografie și luați în considerare imediat cum ar putea fi acceptată sau respinsă de alte persoane? Împărtășești uneori o imagine despre care personal crezi că este remarcabilă, dar nimănui nu i se pare că îi pasă? Cu toții am făcut-o mai des decât am putea recunoaște confortabil.
Încalcă regulile dacă vrei
Pur și simplu, orice fotografie care a fost produsă vreodată, a rezultat dintr-o combinație a următoarelor variabile: dimensiunea diafragmei, viteza obturatorului, adâncimea câmpului, distanța focală, sensibilitatea și compoziția receptorului de imagine (film, senzor digital, ect) și asta este toate. Cheia pentru a face o imagine grozavă este de a pune toate acele piese împreună în așa fel încât să transforme ceea ce era vizibil doar în mintea ta, într-o fotografie. Acestea sunt singurele reguli îmbrăcate în fier din fotografie. În cele din urmă, tu alegi și acționezi camera.
Nu vă fie teamă să gândiți în afara cutiei!
Unele lucrări cu adevărat grozave au rezultat din ieșirea în afara mainstream-ului. Există multe imagini uimitoare care ignoră complet regula treimilor, a liniilor de conducere, a orizonturilor și așa mai departe. Nu renunțați niciodată complet la liniile directoare, dar nu vă convingeți că nu sunteți niciodată legați de ele. Învățarea și practicarea elementelor de construcție testate și dovedite ale fotografiei puternice vă vor ajuta foarte mult. Amintiți-vă că lucrarea de inovare apare adesea din îndoirea regulilor.
Căutați inspirație peste tot
Stieglitz a promovat toate formele de artă. A deschis galerii pentru a expune lucrările pictorilor, sculptorilor și, bineînțeles, fotografilor. El nu s-a limitat doar la fotografie sau pictură sau la lucrări realizate din piatră și lut. În schimb, a băut totul în el. A recunoscut că totul era încurcat și împletit.
În calitate de fotografi, suntem capabili să proiectăm aproape instantaneu ceea ce uneori necesită alți artiști zile sau săptămâni sau chiar luni pentru a crea. Totuși, această ușurință relativă de creație poate pune treptat ochi asupra gândirii noastre creative. Putem ajunge la un punct când ne uităm doar la alte fotografii pentru inspirație. Acest tip de gândire ne limitează scopul ca artiști. Această mentalitate este deosebit de periculoasă pentru noii fotografi și poate duce la frustrare, dezamăgire și chiar mai rău, emulație care se transformă în plagiat.
Nu vă lăsați să aveți viziune artistică a tunelului. Începeți să căutați inspirație peste tot pentru a vă alimenta fotografia. Schițe în alb și negru, picturi, sculpturi în lemn, arhitectură, pictură cu degetele pentru copii - totul are potențialul de a vă oferi un gust de creativitate pe care îl puteți transforma în inspirație fotografică. Adevărul este că nu știi niciodată ce te va inspira.
Vă rugăm să împărtășiți întrebările și comentariile dvs. de mai jos. Ai mai auzit de acești doi maeștri? Au influențat fotografia ta?