Fotografierea lucrărilor de artă poate părea o sarcină simplă, dar de multe ori este greu să o faci bine. Există obstacole tehnice de depășit, cum ar fi realizarea unei expuneri uniforme, evitarea reflexiilor, focalizarea precisă, alegerea diafragmei potrivite și așa mai departe. În acest articol, vă voi oferi câteva sfaturi despre fotografierea lucrărilor de artă care facilitează procesul mult mai ușor!
Detaliu din „Al nouălea val” (1850) de Ivan Aivazovsky. Muzeul Rusiei, St Petersburg.
Sfaturi despre fotografierea lucrărilor de artă
Sfaturile pe care urmează să le dau se referă în principal la arta 2D, adică picturi, desene sau tipărituri sub orice formă. Le-am fotografiat pe cele mai multe dintre ele, de la mari picturi în ulei în muzee naționale până la ilustrații de ziare antice de acasă.
Voi da câteva sfaturi și despre fotografierea sculpturii. Crearea imaginilor de succes ale artei 3D nu este întotdeauna simplă.
echilibru alb
Când fotografiați lucrări de artă, balansul de alb nu este obiectiv - trebuie luată o decizie creativă. Vrei să păstrezi culoarea artei așa cum o vezi sau ar trebui să o neutralizezi și să faci albii albi? Vei fi istoric sau restaurator?
Aș putea restabili albul și culoarea originală în acest ziar victorian cu un singur clic, dar folosind un card gri, am reprodus starea sa veche de 125 de ani. Iluminatul este lumina zilei.
Hârtia și vopseaua tind să decoloreze odată cu vârsta, de obicei cu îngălbenirea. Deci, trebuie să decideți dacă doriți să copiați ceea ce vedeți sau să întoarceți ceasul înapoi. Aceasta presupunând că sunteți corect în ipotezele dvs. despre culoarea originală.
Pentru a „corecta” balansul de alb, există două abordări principale:
- Pentru ca albii să pară albi: alegeți o zonă în interiorul operei de artă care ar trebui să aibă un ton neutru - de preferință un gri mediu, dacă există. Făcând clic pe această zonă cu un instrument de balans de alb, veți egaliza valorile RGB și, cu noroc, veți corecta culoarea în restul imaginii. Problemele apar atunci când opera de artă a îmbătrânit mai mult în unele locuri decât în altele, ceea ce tinde să creeze pete galbene urâte atunci când efectuați o ajustare WB.
- Pentru a păstra semnele îmbătrânirii: utilizați un card gri pentru a corecta lumina care luminează arta, care păstrează culoarea existentă a operei de artă, inclusiv semnele îmbătrânirii. Va exista încă o ușoară schimbare a culorii, deoarece aspectul tuturor obiectelor este afectat de lumina în care se încadrează. Dar veți păstra aspectul general al vârstei. Puteți oricând să încălziți puțin fotografia dacă doriți să subliniați aspectul antic.
O a treia opțiune, dacă nu aveți tonuri neutre în imagine și niciun fel de cărți gri, este să vă lăsați cu glisoarele de culoare și de culoare până când credeți că balansul de alb este corect. Cu toate acestea, corectarea culorilor prin vedere este lovită și ratată și niciodată la fel de precisă ca utilizarea numerelor.
Un lucru pe care îl știm despre zăpadă este că arată mai bine alb. Iluminarea artificială și / sau îmbătrânirea fac ca această pictură să iasă galbenă într-o fotografie. Un instrument de echilibrare a albului îl restabilește rapid, deși este greu să știi întotdeauna cum arăta o pictură când era proaspătă. Artist: Ferdinand Schmidt (c1900), Muzeul La Piscine, Roubaix.
Sursa de lumină face o diferență uriașă față de balansul de alb. Evitați iluminarea mixtă dacă puteți. În muzee, nu veți găsi adesea picturi sub surse de lumină mixte, dar nu același lucru este valabil și pentru sculptură. Un amestec de lumină artificială caldă și lumină a ferestrei provoacă proiecții puternice de culoare portocalie sau albastră în zonele locale ale imaginii. Acest lucru poate fi greu de rezolvat în post-procesare.
Muzeele de artă nu tind să afișeze picturi în condiții de iluminare mixtă, dar s-ar putea să găsiți sculpturi lângă o fereastră. Acest lucru va duce adesea la lumini albastre și umbre portocalii. Sculptură: Epicur și Metrodor, Muzeul Luvru.
Corecția culorii, profilurile DNG, sursele de lumină
Am vorbit despre corectarea echilibrului de alb atunci când fotografiați lucrări de artă, dar puteți duce mai departe corecția culorilor. De asemenea, puteți corecta caracteristicile sursei de lumină.
Sursele de lumină fluorescentă și LED sunt mai eficiente din punct de vedere energetic decât luminile cu filament vechi și nu transmit căldură în exterior. Iluminatul cu LED este acum foarte frecvent în muzeele de artă. Și totuși lumina sa are o calitate mai scăzută din punct de vedere fotografic decât cea a halogenului.
Sursele de lumină moderne emit fie un spectru discontinuu, fie o bandă îngustă, ceea ce înseamnă că reproduc culori inconsecvent și uneori deloc în spectrul vizibil.
Muzeele și galeriile de artă folosesc o singură sursă de lumină pentru a ilumina picturile. S-ar putea să fie lumină difuză deasupra capului sau spoturi pe un sistem de iluminare a șinelor. Fotografie de Riccardo Bresciani de la Pexels
Într-o anumită măsură, puteți evalua calitatea luminilor LED / fluorescente după calitatea lor CRI. Aveți nevoie de peste 90 de ani dacă le cumpărați, dar un rating ridicat nu le face egale cu sursele de lumină tradiționale. Testul CRI este un test indulgent, nestandardizat, care folosește câteva patch-uri de culoare, astfel încât diferența dintre 95% și 100% este mai mare decât sugerează numerele. În mod implicit, lămpile cu incandescență și halogen au un scor de 100%.
O modalitate prin care puteți îmbunătăți culoarea în fotografiile dvs. atunci când fotografiați artă sub surse moderne de lumină este crearea unui profil DNG. Pentru aceasta, utilizați un produs precum X-Rite Color Checker și software-ul X-Rite sau Adobe. Apoi, aplicați acest profil în etapa de conversie brută dacă software-ul îl acceptă.
Această pagină dintr-o carte de istorie antică din primul război mondial este în mod clar iluminată din dreapta. Rețineți că X-Rite Color Checker include patch-uri neutre pentru corectarea echilibrului de alb, precum și patch-uri de culoare pentru profilurile DNG.
Dacă încercați să corectați ochii cu iluminare LED sau fluorescentă, este probabil să aveți nevoie de glisorul „nuanță” din convertoarele brute. Aceste surse de lumină variază foarte mult în producția lor de-a lungul unei axe verde până la magenta. Lămpile vechi cu incandescență nu se comportă la fel - ieșirea lor se află întotdeauna de-a lungul scalei Kelvin portocaliu-albastru.
Lumina ferestrei - Pro și Contra
Această reclamă veche era expusă afară. Deși temperatura culorii luminii de zi variază, nicio altă sursă de lumină nu afișează culoarea atât de complet pe spectrul vizibil. Muzeul KattenKabinet, Amsterdam.
Nu veți bate niciodată lumina zilei pentru capacitatea sa de a afișa toate culorile spectrului vizibil cu o mică părtinire. Este o sursă de lumină ideală pentru artă. Singura problemă este că nu o poți controla foarte bine. Dacă utilizați lumina ferestrei pentru a fotografia o piesă de artă, expunerea va fi probabil inegală dintr-o parte în alta. Poate exista o oprire sau mai multe diferențe. Puteți reduce acest lucru până la aproximativ o jumătate de oprire sau mai puțin dacă utilizați un reflector.
Desigur, puteți crește expunerea în post-procesare. Un lucru pe care îl puteți face este să fotografiați o cartelă goală sau o bucată de hârtie albă în aceeași lumină, ceea ce face ca expunerea inegală să fie evidentă când o vedeți pe computer. Folosiți ceea ce vedeți acolo pentru a corecta alte fotografii din filmare.
Dacă fotografiați o carte poștală prin lumina ferestrei, răsturnarea acesteia face expunerea inegală mai evidentă. Dreapta acestei fotografii este cu 25% mai strălucitoare decât stânga.
Utilizați perii de ajustare, straturi și măști de straturi sau un filtru de densitate neutră gradat pentru a corecta expunerea inegală a unei imagini. Ajustările locale pe imagine, cum ar fi cele găsite în DxO PhotoLab, sunt bune. Un filtru gradat este o modalitate ușoară de a face față acestuia, dar puteți folosi la fel de ușor perii cu multe pene.
Perspectivă: poziționarea artei pentru o fotografie
Când fotografiați o piesă de artă 2D, poziționați-l plat pe un perete sau o masă și încercați să aliniați perfect senzorul camerei cu acesta. În caz contrar, veți vedea același efect „keystoning” obținut cu arhitectura, unde liniile verticale diverg. Subiectul artei va fi ușor distorsionat dacă îl luați într-un unghi, deși nu întotdeauna într-o măsură oricine va observa.
O modalitate prin care puteți alinia o cameră cu arta este să utilizați un nivel dublu pe ambele. Testați suprafața pe care se află arta pentru a vedea dacă este uniformă, făcând ajustări cu recuzită, dacă este necesar (la fel cum ați face cu un picior de masă pe o podea neuniformă). Faceți același lucru cu camera, folosind un nivel de spirit pe încălțăminte sau sprijinindu-vă pe o parte plană a camerei într-un trepied. Nu trebuie să arate profesional dacă face treaba.
În mod ideal, doriți ca camera să fie la același nivel cu centrul imaginii atunci când fotografiați artă. Nu m-am descurcat rău cu această fotografie manuală, deși este ușor ciudată în dreapta (picturile montate pe perete s-ar putea înclina ușor în partea de sus). Corecția va fi moderată. Artist: Lucien Jonas (1880-1947), Muzeul La Piscine, Roubaix.
Nivelurile de spirit variază în ceea ce privește acuratețea lor, dar veți vedea în curând dacă metoda dvs. funcționează sau nu cu opera de artă dreptunghiulară. În caz contrar, marginile orizontale și verticale se vor alinia cu unghiurile de 90 de grade ale fotografiei. Dacă nu aveți probleme, veți vedea un ușor efect de tastare.
Conteaza asta? Puteți corecta perspectiva în software-ul de editare, dar numai cu o pierdere a clarității de la margine la margine.
Cu cât trebuie să corectezi mai puțin, cu atât mai bine.
Utilizați niveluri de spirit împreună cu orice linie perpendiculară din opera de artă pentru a obține cea mai bună perspectivă posibilă. Corecțiile grele pentru tastare după fapt au un efect negativ asupra calității imaginii, care poate fi sau nu vizibilă în funcție de utilizarea intenționată.
Dacă tot ce faci este să împărtășești o fotografie a unui tablou pe Facebook, nu trebuie să fii neplăcut în ceea ce privește alinierea lucrărilor de artă și a camerei. Folosirea unei adâncimi de câmp suficiente va compensa erorile minore de focalizare și nimeni nu vă va ridica pe verticale imperfecte! Pe de altă parte, dacă vindeți artă online, doriți să faceți cea mai bună treabă cu fotografiile.
Alegerea obiectivului și adâncimea câmpului
O alegere bună a obiectivului pentru fotografierea artei este un obiectiv prim de 50 mm sau 100 mm, cu capacitate decentă de focalizare apropiată. Mulți oameni folosesc lentile macro, nu în ultimul rând pentru că creează foarte puține distorsiuni la distanță mică. Un zoom de înaltă calitate va fi suficient în jurul portretului.
Nu trebuie să alegeți o diafragmă mică atunci când fotografiați artă 2D, deoarece nu aveți nevoie de multă adâncime de câmp. Închiderea obiectivului cu două sau trei opriri la f / 8 produce adesea o claritate optimă, în timp ce mult mai mult decât atât reduce claritatea prin difracție.
Precizie de focalizare și vizualizare live
Fără îndoială, cel mai precis mod de a vă concentra pe aproape orice este să vă setați camera pe un trepied și să utilizați modul de vizualizare live cu focalizare manuală. Inutil să spun că nu funcționează atât de bine pentru subiecții în mișcare, dar este tehnica perfectă pentru lucrările de artă.
Folosirea vizualizării live funcționează bine pentru subiecții 2D, dar nu este crucială decât dacă doriți o claritate perfectă. Vă puteți focaliza în mod adecvat printr-un vizor optic și lăsați adâncimea de câmp să aibă grijă de orice erori minore.
Pentru subiecții 3D, cum ar fi statuile, vizualizarea live este de neprețuit. Depășește probleme precum curbura câmpului, ecranele de focalizare inexacte sau punctele de focalizare și oglinzile și senzorii nealiniați.
Sunt departe de a fi gata să fac o fotografie aici, dar aliniez o carte poștală antică în modul de vizualizare live pe trepied. O problemă cu operele de artă plate este păstrarea lor plată pentru imagine. Puteți utiliza bucăți de bandă de mascare de înaltă calitate și le puteți clona după aceea, dar aveți mare grijă să nu smulgeți suprafața hârtiei după îndepărtare.
Problemele tehnice fac adesea dificilă obținerea clarității critice acolo unde aveți nevoie de ea în statui - de obicei fața și ochii. Este posibil să nu observați acest lucru decât dacă măriți fotografiile 100%, dar este ușor să focalizați să fie ușor dezactivat, în special pe statuile mari în care trageți în sus.
Nu vă puteți baza pe puncte de focalizare sau tehnici de focalizare / reorientare, deoarece acestea nu funcționează întotdeauna. Vizualizarea live și focalizarea manuală depășesc acest lucru.
Evitarea reflexiilor
Când faceți o fotografie a artei 2D în spatele sticlei, unul dintre cele mai mari obstacole de depășit sunt reflexiile.
Uneori este mai ușor să treceți la un alt subiect, dar există moduri de a evita reflexiile în fotografiile dvs. de artă. Aici sunt câțiva dintre ei:
- Nu utilizați blițul direct de pe cameră. Se va crea un hotspot hidos în sticlă, care este imposibil de îndepărtat după aceea.
- Utilizați surse de lumină direcționale din lateral - de preferință două la distanță egală (una de ambele părți ale artei). Lumina nedirecțională este mai moale, dar va crea reflexii din alte elemente din cameră.
- La un muzeu, a purta haine negre poate ajuta la fotografierea unor piese de artă mici, deoarece apare mai puțin în reflexii și absoarbe lumina din alte surse de lumină.
- Faceți prieteni sau rude îmbrăcați în haine întunecate să stea lângă artă și să blocheze reflexele.
- Utilizați un ecran negru mare și împingeți obiectivul prin el pentru a fotografia obiectul - aceleași motive ca îmbrăcămintea neagră, dar mai eficient.
- Utilizați un filtru polarizant pentru a tăia o mare parte din strălucire (crește timpul de expunere sau ISO, deci nu este ideal pentru fotografii portabile în muzee slabe).
- Trageți la un unghi ușor pentru a tăia reflexiile și a regla perspectiva în post-procesare. Exagerarea cu aceasta va reduce semnificativ claritatea de la margine la margine.
- Examinați cu atenție opera de artă pentru a observa reflexii care ar putea să nu fie imediat evidente - au obiceiul de a fi mai vizibile pe un PC.
Capturarea texturii
Dacă doriți să surprindeți textura dintr-o piesă de artă (de exemplu, pictura în ulei), ultimul lucru pe care îl doriți este o sursă de lumină difuză, ca un bec fluorescent. Ai nevoie de o sursă de lumină direcțională dintr-o parte.
În picturile în ulei, textura revelatoare înseamnă, de obicei, că o anumită lumină se va reflecta în lentilă, ceea ce poate distrage atenția. Este vorba de controlul efectului, astfel încât evidențierea spectrală să nu distrugă imaginea. Un filtru polarizant va ajuta atâta timp cât nu face inutilizabili alți parametri de fotografiere.
Reflecțiile din acest portret pictat în ulei subliniază textura, dar sunt distractive. La fel ca toate punctele culminante spectrale, reflecțiile în artă trebuie să fie subtile și ținute departe de punctele focale.
Rețineți că iluminarea cu LED-uri este direcțională prin natură. Puteți improviza acasă configurând spoturi LED cu fascicul îngust G50 sau altele similare. În caz contrar, puteți controla iluminarea artificială difuză sau iluminarea blițului cu modificatori precum un snoot.
Puțini artiști au pus pictura mai gros sau mai sălbatic decât Vincent van Gogh. Puteți vedea lumina reflectată în acest detaliu dintr-una din picturile sale, dar este suficient de subtilă pentru a nu diminua imaginea de ansamblu. Fotografie de la rawpixel.com / Galeria de artă a Universității Yale (sursă)
Copiați suporturi, mese ușoare și corturi ușoare
Dacă fotografiați lucrări de artă destul de mici, puteți fi extrem de profesionist folosind echipamente destinate meseriei. Personal, îmi place să economisesc bani folosind metodele Heath Robinson, dar nu toate echipamentele pe care le voi menționa sunt scumpe. Aș putea chiar să mă conving să cumpăr o parte din asta …
Copie standuri
Suporturile de copiere includ o bază, două lumini, o coloană și un braț pentru a ține camera. Sunt ideale pentru fotografierea unor volume mari de artă plată, deoarece sunt gata de mers, în timp ce configurarea unui trepied, a camerei și a luminilor necesită timp. Standurile de copiere costă de obicei de la aproximativ 200 USD, dar le puteți ridica la mâna a doua pentru mai puțin de jumătate din asta.
Mese ușoare
Mese ușoare sunt adesea folosite pentru a crea fotografii de produs cu un fundal alb clar și neted. Puteți folosi la fel de ușor unul pentru lucrări de artă mici și ornamente. Un suport de copiere este un pariu mai bun dacă doriți să înregistrați opere de artă plate fără fundal.
Cort ușor sau cub
Corturile ușoare tind să fie cuburi cu cinci fețe, ținute împreună de sârme sau rame de plastic. Părțile laterale sunt realizate dintr-un material translucid care permite trecerea luminii difuze. De asemenea, sunt furnizate diverse medii. Unele corturi au o deschidere în partea de sus, care vă permite să orientați obiectivul în jos. Acest lucru este ideal pentru fotografierea lucrărilor de artă mici și plate.
Aveți nevoie de o expunere uniformă pentru arta plată, astfel încât luminile de aceeași forță și distanță de ambele părți ale cortului sunt bune. Cu sculptura, iluminarea neuniformă creează modelare și subliniază forma, astfel încât configurarea este diferită.
Corturile ușoare pot fi realizate cu ușurință acasă prin construirea unui cadru simplu și acoperirea acestuia cu material translucid. Foto: Alison Christine din North Yorkshire, Marea Britanie (CC BY 2.0) prin Wikimedia Commons
Corturile ușoare sunt adesea ieftine de cumpărat, spre deosebire de mesele ușoare și suporturile pentru copii. Și de multe ori sunt slabe, dar merită încercate pentru câțiva dolari. Niciun spectator nu va pune vreodată la îndoială tehnica sau cât ați cheltuit pe echipament dacă fotografia funcționează.De ce să fotografiați lucrări de artă în loc să le realizați?
Fotografierea artei altor persoane poate părea inutilă, dar este un exercițiu util în dezvoltarea ochiului creativ. Acest lucru este valabil mai ales dacă izolezi zonele unei picturi sau sculpturi, ceea ce te obligă să studiezi îndeaproape arta. Există adesea mai multe imagini într-o imagine.
În picturile mai mari, veți vedea detalii încântătoare. Aici, o tânără se distrage cu flori, în timp ce este posibil să fie puțin plictisită la o masă de nuntă. Artist: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
Singura activitate pe care nu v-aș recomanda-o este să faceți copii directe ale lucrărilor de la artiști în viață sau care trăiesc recent (cu excepția cazului în care aceștia sunt clientul dvs. și v-au însărcinat să faceți acest lucru) și să încercați să câștigați bani de la ei. Apoi, sunteți pe o gheață morală și legală foarte subțire (de fapt, ați căzut prin ea). Duratele drepturilor de autor variază de la țară la țară.
Desigur, s-ar putea să vă fotografiați propria artă pe care să o distribuiți online sau să o vindeți pe eBay. Nu există un motiv fotografic mai pur decât partajarea. Dorința de a împărtăși este, la urma urmei, în inima majorității artiștilor, indiferent de mărimea publicului.
Aveți alte sfaturi pentru fotografierea lucrărilor de artă pe care doriți să le împărtășiți? Vă rugăm să faceți acest lucru în comentarii.